Het ontwikkelingsproces van olieverfschilderijen heeft drie perioden doorlopen: klassiek, neoterisch en modern. Olieverfschilderijen uit verschillende perioden worden beheerst door de artistieke gedachten en technieken van die tijd en vertonen verschillende verschijningsvormen. Een korte introductie tot de ontwikkelingsgeschiedenis van de westerse olieverfschilderij:
1. Het gaat terug tot het begin van de geschiedenis van olieverfschilderijen.
In feite was de voorloper van het olieverfschilderij tempera in de Europese schilderkunst vóór de 15e eeuw. Later verscheen een kunstenaar genaamd de Nederlandse schilder Jan Van Eyck (Jan Van Eyck). Na de verbetering van dit temperaschilderij werd hij verder gedragen, en latere generaties noemden hem de "vader van de olieverfschilderij" vanwege zijn unieke bijdrage.
2. Vroegklassieke periode (Europese Renaissance)
Tijdens de Europese Renaissance in de 15e eeuw werden humanistische ideeën gemotiveerd door kritiek op religie. Om geleidelijk af te komen van één enkele creatie gebaseerd op christelijke klassiekers, begonnen veel beroemde schilders de personages, landschappen en objecten in het leven van die tijd te observeren en direct weer te geven. Dit leidt ertoe dat werken met religieuze thema's voor de hand liggende realistische en seculiere factoren bevatten.
Het olieverfschilderij is geleidelijk de belangrijkste schildermethode in de geschiedenis van de westerse schilderkunst geworden. Met de ontwikkeling van de tijd is olieverfschilderij geleidelijk leven geworden. Rond 1504 creëerde Leonardo de Mona Lisa, de schilders uit deze tijd erfden de artistieke concepten van het oude Griekenland en Rome. Ze besteedden niet alleen aandacht aan de beschrijving van een bepaalde gebeurtenis of feit, maar brachten ook de oorzaak en het gevolg van de gebeurtenis of het feit aan het licht. Daarom werd de kunst gevormd om zich te concentreren op het bedenken van typische plots en het vormgeven van typische beelden. Tegelijkertijd onderzocht de kunstenaar ook de toepassing van anatomie en perspectief in de schilderkunst en de rol van licht- en schaduwverdeling in het beeld. de mysterieuze glimlach waardoor mensen Leonardo moesten bewonderen's geniale creatie.
3. Laat-klassieke periode.
In de 17e eeuw begonnen sommige olieverfschilderijen de lichtperceptie van olieverfschilderijen te benadrukken, waarbij gebruik werd gemaakt van het contrast van koude en warme kleuren, het contrast van lichte en donkere intensiteit en het contrast van dikte om lichtperceptie te creëren, waardoor een dramatische sfeer van de afbeelding ontstond.
Ook de Nederlandse schilder Rembrandt gebruikte lichtwaarneming in zijn schilderijen als middel om de mentale toestand van mensen uit te drukken. In zijn grote aantal portretten bevinden de personages zich in de schaduw van een groot gebied, alleen het gezicht en de handen die de uitdrukking uitdrukken. Het belangrijkste deel vertoont een levendige helderheid.
De Italiaanse schilder Caravaggio doorbrak het ordelijke en harmonieuze lichtwaarnemingseffect in zijn eerdere olieverfschilderijen. Hij versterkte het contrast van licht en donker in de foto. Hij gebruikte vaak het grote donkere deel van het achtergrondvlak van de afbeelding om de heldere figuren op de voorgrond te laten uitkomen, waardoor mensen het verblindende licht in het schilderij voelden.
